Le sacré dans l’art contemporain

Publié le par Michel Durand

2007. La biennale d’art contemporain à Lyon. On en parle.
Avant que nous lancions avec le diocèse de Lyon et Confluences la biennale d’art sacré actuel (la prochaine aurait dû avoir lieu en 2008), des rencontres nous avaient mis sur le chemin de l’art d’Eglise. En voici une avec Louis Cane et Alfred Manessier.
20 ans ont passé. Les propos demeurent d’actualité



Que peut dire un art sans commande

Article rédigé en mars ou avril 1988 à l'occasion d'exposition des œuvres de Louis Cane et d'Alfred Manessier

L'iconoclasme de la fin du XXème siècle a, sans aucun doute, modifié les rapports entre l'Eglise et les artistes. Même si toute production artistique n'est pas la résultante immédiate d'une commande, il faut bien avouer que, quand la rémunération d'une création fait vivre l'artiste, celui-ci crée davantage ou dans de meilleures conditions. Les extraits d'interviews que j’ai choisi de vous offrir ce jour abordent la question. Ils peuvent inviter à la réflexion et, pourquoi pas, susciter la commande.

Comment aborder aujourd’hui, la question de l'Art sacré ?

Je l'ignore. Il est plus facile d'indiquer le chemin qui semble ne pas convenir. Les critiques d'art, très souvent, ne font que caresser la surface de la pensée du créateur et de l'œuvre créée. Ils veulent comparer une toile récente avec une autre déjà ancienne : « Dans votre travail, nous sommes obligés de penser à... » ou encore : « très nettement votre inspiration se plonge dans... » Voilà qui me parait stérile, même si, pour dégager les grandes tendances d'une école, de tels propos sont nécessaires.

Au-delà du discours académique, je pense que la personne même du créateur mérite, avant tout, notre attention. C'est le regard sur la personne de l'artiste qui fera que nous ne serons pas tentés de dire : « ouvrir un débat sur l’art sacré date des années 50 »… « Ce débat n'a plus cours ». Parler ainsi, c’est prouver que l'on n'a jamais compris que le sacré peut, ou doit, se trouver dans tout art et qu'une œuvre à sujet religieux peut n'exprimer aucune réalité sacrée.
Dominique Panneau, au cours de sa conférence à la salle Jean Paul II des facultés Catholiques, a donné son sentiment sur l'art contemporain en disant que ce dernier n'a peut-être pas encore dépassé le temps des semailles. La récolte est bien lointaine. Comment rendre le temps plus favorable s'il n'y a pas encore assez de commandes notamment par les responsables des Eglises ? Nous espérons que cette question suscitera un débat. Notre rencontre-débat à l'Elac (espace lyonnais d’art contemporain) à propos de Manessier et à la galerie Gil Favre, à propos de Louis Cane furent un début. Le chemin à parcourir est encore long. N'hésitez pas à nous faire parvenir vos réflexions.
Comme précédemment, je prenais quelques distances vis-à-vis de l'attitude des critiques d'art, il est compréhensible que je m'efforce de ne pas agir de même. Le seul moyen d'éviter le piège du discours sur un peintre est de donner la parole au créateur lui-même.

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Questions à Louis Cane (1) : Vous avez dit que les artistes ne doivent pas répondre aux désirs de leur époque : ils doivent faire leur époque. Vous pensez qu'actuellement on répond surtout au désir du moment.


Louis Cane : exactement. Citons une critique d'art contemporain qui dit : « je trouve plus intéressant un artiste conceptuel, par exemple. qui exprime plus ou moins consciemment comme un énorme symptôme cette situation de crise symbolique dans laquelle se trouve notre société, que celui qui imagine qu'il peut restaurer une situation qui existait au 18ème siècle ». Vous remarquerez au passage que pour argumenter son point de vue elle parle d'une « restauration ». d'une « restauration du 18ème », Bref, même si une restauration était réactionnaire en politique, et encore. il faudrait voir.... mais ici, en art, quelle bêtise de juger, de moraliser l'art avec ce mot, et quelle indigence intellectuelle de confondre ainsi les genres. Et puis l'artiste n'est pas obligé d'aller dans le sens du délabrement si l'époque se délabre. En fait, cette critique exprime une attitude démissionnaire. Essentiellement travaillée par la pulsion de mort, et le désir manifeste est que cesse toute activité qui mettrait en valeur la singularité des hommes, je dis bien des hommes, pas des femmes.

Questions : Il s'agit le la mort de l'art ?

L.C. : Oui... ou tout au moins de son désir de fin. D’où l'augmentation des curiosités formelles et matériologiques renvoyant à ne conception ultra formaliste de l'art ; la dinette in situ...

Questions : La transformation en produit de consommation de l'œuvre d'art vous préoccupe-t-elle ?

L.C. : Bien sûr, car le marché favorise la multiplication d'objets ordinaires, objets non signés. Un objet signé, c'est un style, une graphologie, une sexualité. Or les œuvres d'art sont de plus en plus comme une musique d'ascenseur. Oui c'est çà, exactement, de la musique d'ascenseur ou de la sculpture d'aéroport, car c'est aujourd'hui aussi à travers la possibilité d'adaptation dans les « aéroports » que se vérifie la validité d'une sculpture. Et là évidemment, les Américains sont meilleurs. Cette conception de l'art s'est étendue jusqu'aux musées. Est-ce qu'il y a une grande demande pour les sculptures d'aéroport ? Probablement. C'est vrai aussi que beaucoup de collectionneurs veulent des choses « neutres », qui les consolent ou qui ressemblent à leurs « intérieurs »...
Les artistes sont perçus comme des individus capables de produire pendant une saison une ou deux formes d'art, disons un signe de piste, et quand ce signe de piste formel est reconnu par tout le monde, c'est évident qu'il faut en chercher d'autres... ce que tout le monde connaît n'intéresse plus personne. C'est un effet de la médiatisation de l'art.

Questions : Vous avez dit que finalement l'artiste n'avait de compte à rendre qu'à Dieu. Vous exposez une série de crucifixions. Peut-on parler d'une profession de foi... ou visez-vous d'autres finalités ? Est-ce que vous en arrivez là par les voies de l'histoire de l'art ou plutôt par les voies de !a foi ?

L.C. : J'en arrive là par mon travail de peintre, ce qui est pareil, car c'est bien l'Eglise catholique qui a inventé la peinture. Donc, qui pratique la peinture figurative sérieusement rencontre la figure du Christ, c'est inévitable - qu'il soit croyant ou non-croyant. Maintenant, il est évident que la commande d'une œuvre d'art ne vient plus d'un pape, mais qu'elle vient d'un marchand de tableaux, d'une institution, d'un FRAC. Alors, ce n'est plus pareil, car la plupart de ces personnes mentent. Pourquoi ? Parce qu'elles sont dans une temporalité de gestionnaire électoraliste, qui tend vers l'égalité. Voilà ce qui permet l'existence de la sculpture d'aéroport, c'est ce désir hystérique de gestionnaire de mettre le signe égal entre toute production artistique. Beaubourg, de ce point de vue, est une immense machine qui révèle et produit l'idée que tout le monde peut faire de l'art, et même que tout le monde doit faire de l'art. Les conservateurs de Beaubourg sont pris à leur insu et sont l'in situ de cette problématique, c'est pour çà qu'ils exposent des choses de plus en plus bizarres et morbides pour faire croire que l'art n'est au fond qu'une affaire de matériaux. Fini le sens, rien que la forme : le diable signe tout de suite. Le public qui vient à Beaubourg est averti de ce dialogue avec la pulsion de mort : quelque part, çà lui plait.»

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Questions à Alfred Manessier (2): Le thème de la passion va disparaître pendant cinq ans, pendant lesquels vous allez retrouver le plaisir de reprendre les paysages de votre enfance, la Baie de Somme (1981), les marais picards. Puis il réapparaît magistralement en 1986. Vous gardez le format particulier des Favellas (230x200), mais il s'agit à nouveau de la Passion de Jésus de Nazareth, dans une écriture qui cite directement la Passion selon Saint Matthieu de 1948. Plus qu'un nouveau cycle, il s'agit de la reprise du premier cycle, mais après quarante ans de travail.

Alfred Manessier : Ces Passions sont apparues fortuitement. C'est Gilbert Delaine, le fondateur du Musée de Dunkerque, qui avait eu l'intention de faire une exposition sur le thème de la Passion à l'occasion du voyage de Jean-Paul II en France, qui devait visiter les mineurs polonais du Nord. En fait, la visite n'a jamais eu lieu et l'exposition non plus, mais moi j’ai fait ma toile. J'attendais peut-être une telle demande pour reprendre sous sa forme initiale mon thème des Passions. Je me suis aperçu que, de ma vie, je n'avais peint la Passion que selon Saint Matthieu. Et j'ai fait tout de suite une Passion qui s'est révélée être selon Saint Jean. C'est la première de l'ensemble. A partir d'elle, j'ai peint ensuite selon Saint Marc, puis selon Saint Luc, l'évangéliste qui est le plus proche de Marie. J'étais tranquille pour la toile selon Matthieu. Je n'ai pas commencé par elle parce que je voulais y retrouver, y prolonger mon travail de 1948. J'étais à peu près sûr, pour cette toile, de ma gamme des couleurs, les rouges. Je devais réaliser les trois autres avant pour qu'elles n'en soient pas influencées. J'ai donc fini par Matthieu, puis je les ai travaillées toute ensemble.

Questions : La première s'est révélée être selon Saint Jean. Mais comment s'est fait cette révélation ?

A. M.
: Je lisais l'évangile selon Saint Jean. Lorsque Thérèse, ma femme, a vu la toile ; elle a été frappée par la parenté. C'est elle qui l'a reconnue la première. C'est une question de palette. Cette toile a une spiritualité tout à fait différente de celle des trois autres.»



Des gens ont exprimé le souhait qu'une des toiles exposées à l'E1ac puisse demeurer à Lyon. L’église métropole de la Duchère, par exemple, mettrait bien en valeur la Passion selon Saint Jean ; ou encore une des Favellas. Alfred Manessier n'a pas encore dit oui. Toutes les œuvres exposées à l'ELAC appartiennent à des collections publiques ou privées. En principe elles ne sont pas à vendre. Alfred Manessier, selon ses propres paroles, n'a pas encore terminé son travail. Il faut laisser au temps faire son œuvre. Autrement dit, si des chrétiens de Lyon souhaitent avoir « chez eux » une toile de ce peintre, ils peuvent s'organiser pour passer une commande. Parfois, les peintres attendent une telle demande afin de se mettre à l'ouvrage. La « commande » ne bloque pas obligatoirement le travail de l'artiste dans un champ trop étroit.

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1) Louis Cane, les crucifixions, interview par Philip Jodidio, mars-avril 1988, Catalogue, galerie Gil Favre

2) Alfred Manessier, Elac, février, avril 1988, Catalogue.

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